quarta-feira, 24 de outubro de 2007

Encantos para Sempre...

Quando li o texto sobre o que alguns que se dizem entendidos, desdenham dos valores dos Contos de Fadas e observando os argumentos percebo que estamos vivenciando um momento de controvérsias, de questionamentos que de certa forma penso que sejam salutar, mas não podemos permitir a desvalorização do que há décadas têm um papel fundamental na vida intelectual e por que não dizer emocional das pessoas. Percebo os Contos como as primeiras formas de ensinar através do lúdico normas, morais emoções e pensamentos na criança, e não só na criança, minha avó que morreu aos 93 anos adorava a história da Chapeuzinho que só foi conhecer quando os netos a mostraram a ela ( história que fiquei sabendo por uma prima).
Claro que tais Contos usam e abusam da fantasia, do improvável, dos absurdos, mas isso é parte do desenvolvimento necessário a todos! Impossibilitar um lobo de falar seria o mesmo que proibir a criatividade de Spilberg em o E.T!Impedir a Gata Borralheira de se transformar em Cinderela seria condenar a todos ao comodismo e a falta de ambição e por ai vai...

Sonhos

Uma das grandes maravilhas do ser humanos é a possibilidade de sonhar e trabalhar a fim de fazer com que esses sonhos se realizem.
Se permitir imaginar-se, e assim criar uma energia tal que a possibilidade da concretização torna-se real.

Eu sonho, e um sonho que não é só meu...

Sonho um mundo mais justo, mais doce, tranqüilo.

Sonho em pessoas mais calmas, cientes do que são e da sua missão enquanto ser humano.

Sonho numa educação mais libertadora e eficiente.

Sonhos...sonho acordada e certa que esses sonhos a seu tempo tornar-se-ão realidade

domingo, 21 de outubro de 2007

Arte Brasileira

Arte Indígena: SOMOS PARTE DA TERRA E ELA É PARTE DE NÓS” . Essa visão e certeza de que é faz com que este povo tenha na arte sua própria interpretação,mas sejam quais forem todas elas obedecem o respeito e a harmonia natural das coisas.

Arte Colonial:
ARQUITETURA
A arquitetura era bastante simples, sempre com estruturas retangulares e cobertura de palha sustentada por estruturas de madeira roliça inclinada.

ESCULTURA
Os jesuítas ensinaram aos índios e negros o alfabeto, a religião e a trabalhar o barro, a madeira e a pedra.
O índio é muito hábil na imitação, mas, também muito primário e rústico na execução. O negro adapta-se mais facilmente e é exuberante no desenho, na arte, no talhe e nas lavras.Sob direção dos religiosos e de mestres, vindos além-mar, o índio e o negro esculpiram muitos trabalhos, que são a base ao enxerto da arte Barroca, em auge na Europa.


ARTE HOLANDESA
Na virada do século, os portugueses defenderam o Brasil dos invasores ingleses, franceses e holandeses. Porém, os holandeses resistiram e se instalaram no nordeste do país por quase 25 anos (início em 1624).
O Conde Maurício de Nassau trouxe à “Nova Holanda” artistas e cientistas que se instalaram em Recife. Foi sob a orientação de Nassau que o arquiteto Pieter Post projetou a construção da Cidade Maurícia e também os palácios e prédios administrativos.


BARROCO BRASILEIRO
O estilo barroco desenvolveu-se plenamente no Brasil durante o século XVIII, perdurando ainda no início do século XIX. O barroco brasileiro é claramente associado à religião católica. Duas linhas diferentes caracterizam o estilo barroco brasileiro. Nas regiões enriquecidas pelo comércio de açúcar e pela mineração, encontramos igrejas com trabalhos em relevos feitos em madeira - as talhas - recobertas por finas camadas de ouro, com janelas, cornijas e portas decoradas com detalhados trabalhos de escultura. Já nas regiões onde não existia nem açúcar nem ouro, as igrejas apresentam talhas modestas e os trabalhos foram realizados por artistas menos experientes e famosos do que os que viviam nas regiões mais ricas.
O ponto culminante da integração entre arquitetura, escultura, talha e pintura aparece em Minas Gerais, sem dúvida a partir dos trabalhos de:

Antônio Francisco Lisboa, o Aleijadinho
Características da escultura de Aleijadinho:
* Olhos espaçados

* Nariz reto e alongado
* Lábios entreabertos
* Queixo pontiagudo
* Pescoço alongado em forma de V

MISSÃO ARTÍSTICA FRANCESA
Brasil recebe forte influência cultural européia, intensificada ainda mais com a chegada de um grupo de artistas franceses (1816) encarregado da fundação da Academia de Belas Artes (1826), na qual os alunos poderiam aprender as artes e os ofícios artísticos. Esse grupo ficou conhecido como Missão Artística Francesa.Os artistas da Missão Artística Francesa pintavam, desenhavam, esculpiam e construíam à moda européia. Obedeciam ao estilo neoclássico (novo clássico), u seja, um estilo artístico que propunha a volta aos padrões da arte clássica (greco-romana) da Antigüidade.Algumas características de construções neoclássicas:· Colunas (de origem grega): Estrutura de sustentação das construções. Compõe-se de três partes : base, fuste (parte maior) e capitel (parte superior com ornamentos).· Arcos (de origem romana): Elemento de construção de formato curvo existente na parte superior das portas e passagens que serve de sustentação.· Frontões: Estrutura geralmente triangular existente acima de portas e colunas e abaixo do telhado. Os frontões podem receber os mais variados tipos de decoração.Os pintores deveriam seguir algumas regras na pintura tais como: inspirada nas esculturas clássicas gregas e na pintura renascentista italiana, sobretudo em Rafael, mestre inegável do equilíbrio da composição e da harmonia do colorido.

PINTURA ACADÊMICA
Uma das características gerais da pintura acadêmica é seguir os padrões de beleza da Academia de Belas Artes, ou seja, o artista não deve imitar a realidade, mas tentar recriar a beleza ideal em suas obras, por meio da imitação dos clássicos, principalmente os gregos, na arquitetura e dos renascentistas, na pintura.
Os principais artistas acadêmicos são:
*Pedro Américo de Figueiredo e Melo
*Vitor Meireles de Lima
*José Ferraz de Almeida Júnior

SEMANA DE 22
Essa arte nova aparece inicialmente através da atividade crítica e literária de Oswald de Andrade, Menotti del Picchia, Mário de Andrade e alguns outros artistas que vão se conscientizando do tempo em que vivem. Oswald de Andrade, já em 1912, começa a falar do Manifesto Futurista, de Marinetti, que propõe “o compromisso da literatura com a nova civilização técnica”.
Mas, ao mesmo tempo, Oswald de Andrade alerta para a valorização das raízes nacionais, que devem ser o ponto de partida para os artistas brasileiros. Assim, cria movimentos, como o Pau-Brasil, escreve para os jornais expondo suas idéias renovadores de grupos de artistas que começam a se unir em torno de uma nova proposta estética. Antes dos anos 20, são feitas em São Paulo duas exposições de pintura que colocam a arte moderna de um modo concreto para os brasileiros: a de Lasar Segall, em 1913, e a de Anita Malfatti, em 1917.



EXPRESSIONISMO
No Brasil, observa-se, como nunca, um desejo expresso e intenso de pesquisar nossa realidade social, espiritual e cultural. A arte mergulha fundo no tenso panorama ideológico da época, buscando analisar as contradições vividas pelo país e representá-las pela linguagem estética.
Principais Artistas:
Lasar Segall

Anita Malfatti
Candido Portinari


ARTE PRIMITIVA
A arte dos chamados "artistas primitivos" passou a ser valorizada após o Movimento Modernista, que apresentou, entre suas tendências, o gosto por tudo o que era genuinamente nacional. E um artista primitivo é alguém que seleciona elementos da tradição popular de uma sociedade e os combina plasticamente, guiando-se por uma clara intenção poética. Geralmente esses pintores são autodidatas e criadores dos recursos técnicos com que trabalham.
Principais Artistas:
*Cardosinho (1861-1947)
*Heitor dos Prazeres (1898-1966)
*Mestre Vitalino (1909-1963)
*Djanira (1914-1979)

Fonte:
http://www.historiadaarte.com.br/artebrasileira.html

Arte Brasileira

Arte Contemporânea

A arte no século XX apresenta para um observador distanciado uma sucessão algo caótica. Todos os conceitos que serviram de base à apreciação e criação das gerações anteriores foram sistematicamente postos em causa, e pouco depois acabaram por ser recusados ou ultrapassados pelos artistas. Na arte como na imaginação não existem limites, parece ser a primeira ideia que os artistas têm procurado transmitir. O nosso percurso centra-se nos movimentos artísticos que evidenciaram a ruptura com os conceitos tradicionais da arte, colocando pela primeira vez a questão do fim da estética.

Fonte:
http://afilosofia.no.sapo.pt/artecont.htm

Arte Contemporanea

Arte Moderna

Final do séc. XIX e início do séc. XX, o pensamento e a tradição européia estavam se esgotando, os novos artistas e pensadores estavam surgindo para mudar radicalmente o que seus mestres do passado tinham executado e idealizado.

Alguns estudiosos marcam o início da Arte Moderna em meados do séc. XIX, com o Impressionismo, outros no final do séc. XIX, com o Pós-Impressionismo.

Fauvismo: Nome dado ao grupo de artistas que expuseram no Salão de Paris em 1905. Foram caçoados de Fauves, bestas selvagens, pelo crítico Louis Vauxcelles. Os artistas já tinham uma vasta formação e inspiração, dentre eles podemos citar Vlaminck, Derain, Marquet, Ronault e Matisse.Na verdade eles nunca formaram um grupo organizado, apesar disso, Matisse foi considerado o líder deste estilo. Esse movimento se caracterizou por utilizar cores estridentes, desenhos padrões e uma ruptura com o formal acadêmico que cada artista interpretava a sua maneira.O Fauvismo demonstrava afinidades com o Expressionismo Alemão, tanto que Matzinger, Dufy e Braque reuniram uma exposição com artistas desse outro estilo. Em 1908, o grupo se dissolveu. A utilização de puras cores e os seguidores antiacadêmicos contribuíram para o desenvolvimento da pintura do séc. XX.



Cubismo: Surgiu com Braque e Picasso em Paris, onde um grupo de jovens pintores logo aderiram ao movimento. Esses artistas se basearam nos trabalhos de Cézanne e tentaram recriar a relação entre espaço e volume das formas, se opondo aos valores predominantes do Impressionismo.Cézanne, em seus trabalhos, representava sensações da realidade dentro de uma arquitetura harmoniosa, o foco principal estava em destacar o volume e não o traço. A maioria dos Cubistas, porém, se preocupavam mais com a forma geométrica.Picasso e Braque, utilizando linhas curvas, demonstraram que o Cubismo não necessariamente teria que ser pintado em formas de cubos, mas teria que oferecer uma visão tridimensional num plano de duas dimensões. Eles tomaram aspectos de cenas que não poderiam ser visualizadas individualmente e tornaram visíveis simultaneamente.As paisagens de Braque foram os primeiros trabalhos criados no Cubismo.
Picasso foi fortemente influenciado pela arte primitiva, pelas mascaras africanas e esculturas Iberianas, podemos ver essas características no quadro "Les Demoiselles D'Avignon", pintado em 1907.Os objetos, retratos e paisagens tentaram nos transmitir os detalhes das imagens. A figuras eram montadas uma sobre as outras, dividindo-as em fragmentos, destacavam todas as partes do quadro.
A primeira exibição ocorreu em 1907, atingindo um público considerável.O movimento pode ser dividido em três fases: a primeira foi o Cubismo Analítico, período entre 1906 e 1909, que se caracterizou por apresentar uma estrutura cristalina, planos semitransparentes, com cores limitadas pelas sombras; a Segunda fase foi o "Alto" Cubismo Analítico, nessa as estruturas cristalinas se tornaram mais complicadas e os pedaços transparentes, que montavam o quebra-cabeça, se tornaram cada vez menores, ocorreu entre 1909 e 1912; e o último foi o Cubismo Sintético, entre 1912 e 1914. Nesta última fase, as imagens se tornaram mais complexas, os artistas procuraram organizar as figuras em planos, facilitando a análise das formas em vários aspectos.

Abstracionismo: Tendência das artes plásticas desenvolvida no início do século XX na Alemanha. Surge a partir das experiências das vanguardas européias, que recusam a herança renascentista das academias de arte. As obras abandonam o compromisso de representar a realidade aparente e não reproduzem figuras nem retratam temas. O que importa são as formas e cores da composição. Na escultura, os artistas trabalham principalmente o volume e a textura, explorando todas as possibilidades da tridimensionalidade do objeto. Há dois tipos de abstração: a informal, que busca o lirismo privilegiando as formas livres, e a geométrica, que segue uma técnica mais rigorosa e não tem a intenção de expressar sentimentos ou idéias.

O Surrealismo: foi um movimento artístico e literário surgido primariamente em Paris doa anos 20, inserido no contexto das vanguardas que viriam a definir o modernismo, reunindo artistas anteriormente ligados ao Dadaísmo e posteriormente expandido para outros países. Fortemente influenciado pelas teorias psicanalíticas de Sigmund Freud (1856-1939), o surrealismo enfatiza o papel do inconsciente na atividade criativa. Seus representantes mais conhecidos são Max Ernst, René Magritte e Salvador Dalí no campo das artes plásticas e André Breton na literatura.


DADAÍSMO: Formado em 1916 em Zurique por jovens franceses e alemães que, se tivessem permanecido em seus respectivos países, teriam sido convocados para o serviço militar, o Dada foi um movimento de negação.A palavra Dada foi descoberta acidentalmente por Hugo Ball e por Tzara Tristan num dicionário alemão-francês. Dada é uma palavra francesa que significa na linguagem infantil "cavalo de pau". Esse nome escolhido não fazia sentido, assim como a arte que perdera todo o sentido diante da irracionalidade da guerra.

Surrealismo: é a última das Vanguardas Européias, que sucede ao Dada radicalizando suas propostas de liberdade, anti-convencionalismo e anti-tradição dos valores da cultura ocidental. Traz à tona os impulsos das regiões ainda inexploradas da mente. Recorre aos temas fornecidos pelo inconsciente e subconsciente : o acaso, a loucura, os sonhos, as alucinações, o delírio ou o humor.

Acima de tudo, o Expressionismo é uma tendência permanente e universal da arte, como manifestação exterior de uma necessidade interna. Relaciona-se diretamente com o subjetivo, expresso por temas dramáticos e obsessivos.

A Op Art: (abreviação inglesa para "Arte Óptica") nasceu e se desenvolveu simultaneamente nos Estados Unidos e na Europa, em meados da década de sessenta. O termo foi empregado pela primeira vez na revista Times no ano de 1965 e designa uma derivação do expressionismo abstrato.
A Op Art, com suas pinturas voluptuosas, brincam com nossas percepções ópticas. As cores são usadas para a criação de efeitos visuais como sobreposição, movimento e interação entre o fundo e o foco principal. Os tons vibrantes, círculos concêntricos e formas que parecem pulsar são as características mais marcantes deste estilo artístico.

Pop Art: é uma abreviação do termo inglês "popular art "( arte popular ). Não significa arte feita pelo povo, mas produzida para o consumo de massa. Esta arte nasceu na Inglaterra no início dos anos 50 , não nos Estados Unidos como se imagina. Posteriormente Andy Warhol foi um dos maiores representantes nos Estados Unidos. No Brasil em 1967, na Bienal, os pop artistas dominaram a representação dos EUA . Não se tornou popular e nem chegou a atingir a massa urbana, ficando restrita a colecionadores, frequentadores, galerias e museus na época. A obra de Andy Warhol esteve no Brasil na 23ª Bienal Internacional de São Paulo, em 1996

Fonte:

http://www.paralerepensar.com.br/arte_moderna.htm
http://www.artesbr.hpg.ig.com.br/Educacao/11/interna_hpg2.html
http://pt.wikipedia.org/wiki/Surrealismo
http://www.historiadaarte.com.br/dadaismo.html
http://www.mac.usp.br/projetos/seculoxx/modulo1/expressionismo/surrealismo/index.html
http://www.mac.usp.br/projetos/seculoxx/modulo1/expressionismo/index.html
http://www.unb.br/fac/ncint/pg/galeria/opart.htm
http://www.rainhadapaz.g12.br/projetos/artes/poparte/home.htm